FORMAÇÃO DA MÚSICA BRASILEIRA
1. A música brasileira - 1500 a 1600
A música do Brasil se formou a partir da mistura
de elementos europeus, africanos e indígenas, trazidos respectivamente por
colonizadores portugueses, escravos e pelos nativos que habitavam o chamado
Novo Mundo. Outras influências foram se somando ao longo da história,
estabelecendo uma enorme variedade de estilos musicais.
1.1- A música no tempo do descobrimento
1.1- A música no tempo do descobrimento
Você já se perguntou se na
época do descobrimento do Brasil havia música? O que será que os índios que por
aqui viviam cantavam? Será que eles tocavam algum instrumento? Como será que
foi a reação dos indígenas quando os primeiros portugueses chegaram em suas
“caravelas”, trazendo violas e outros instrumentos de Portugal? Os portugueses
realmente se espantaram com a maneira de vestir dos nativos e da maneira como
eles faziam músicas: cantando, dançando, tocando instrumentos (chocalhos,
flautas, tambores). Pois então... Agora, use sua criatividade e desenhe uma
cena do tempo do descobrimento do Brasil, em que um português vê pela primeira
vez um grupo de índios tupis cantando e dançando. Você poderá usar algumas
informações:
• O maracá era um
instrumento muito apreciado pelos índios tupis da costa do Brasil (veja a
figura ao lado.
• Os índios costumavam dançar em círculos
cantando e batendo os pés.
• Os portugueses chegaram em
“caravelas” (navios) e se espantaram com a nudez dos nativos. • Um dos cantos
dos tupis era dedicado a uma ave amarela, uma espécie de arara, que eles
chamavam “Canide ioune” (ave amarela na língua tupi).
• Os portugueses se vestiam
com muita roupa, usavam barba, grandes chapéus e provavelmente trouxeram violas
(o ancestral do violão) na sua primeira viagem.
E então? Vamos cantar essa história?
Chegança Antônio Nóbrega
Sou Pataxó,
Sou Xavante e Cariri,
Ianonami, sou
Tupi Guarani, sou Carajá. Sou Pancaruru,
Carijó,
Tupinajé, Potiguar, sou Caeté, Ful‐ni‐o, Tupinambá.
Depois que os
mares dividiram os continentes
Quis ver
terras diferentes. Eu pensei:
"vou
procurar Um mundo novo,
Lá depois do
horizonte,
Levo a rede
balançante Pra no sol me espreguiçar".
Eu
atraquei Num porto muito seguro,
Céu azul, paz
e ar puro...
Botei as
pernas pro ar.
Logo sonhei
Que estava no paraíso,
Onde nem era
preciso Dormir para se sonhar.
Mas de repente
Me acordei com a surpresa:
Uma esquadra
portuguesa Veio na praia atracar.
De grande‐nau,
Um branco de barba escura,
Vestindo uma
armadura Me apontou pra me pegar.
E assustado
Dei um pulo da rede, Pressenti a fome,
a sede, Eu
pensei: "vão me acabar".
Me levantei de
borduna já na mão.
Ai, senti no
coração, O Brasil vai começar.
Áudio sugerido:
“Chegança”, de Antônio Nóbrega, do CD “Madeira que cupim não rói”
1.2 - Como nasceu a música brasileira?
1.2 - Como nasceu a música brasileira?
A música brasileira mistura elementos de várias culturas, principalmente as chamadas culturas formadoras: a dos colonizadores portugueses (europeia), a dos nativos (indígena) e a dos escravos (africana). É difícil estabelecer com certeza os elementos de origem, mas sabemos que alguns instrumentos musicais, por exemplo, são tradicionais de certas culturas.
- Instrumentos europeus:
 |
| O Cravo Violão Português Flauta Transversal Violino |
- Instrumentos indígenas :
 |
| Flautas Maracá |
- Instrumentos africanos:
 |
| Atabaques Berimbau Agogô Cuíca ou Puita ********************************************************************************************************** ********************************************************************************************************** ********************************************************************************************************** ********************************************************************************************************** **********************************************************************************************************
2. A música brasileira - 1600 a 1700
Apesar da maioria da
população de índios brasileiros ter sido praticamente dizimada pelos
colonizadores portugueses, bandeirantes e contendores europeus, a música
indígena e seus instrumentos deixam fortes influências em toda formação básica
da história da música brasileira que se desenvolve – além de incorporar os
primeiros traços da música portuguesa e européia –, numa cultura de transição e
assimilações permanentes.
Por volta de 1630 a cultura musical africana
dos escravos negros é preservada e desenvolvida através dos Quilombos –
colônias de refugiados que resistem bravamente no interior do Brasil –, sendo o
de Palmares, no interior do Estado de Alagoas, historicamente o mais importante,
que durou um século, após ser destruído em fevereiro de 1694, por tropas do
bandeirante Domingos Jorge Velho, após sete anos de ataques ininterruptos. O
grande líder do Quilombo de Palmares é Zumbi, morto no ano seguinte. Surgem as
primeiras novas formas de uma música afro-brasileira, que desenvolveria o
afoxé, jongo, lundu, maracatu, maxixe, samba e outros gêneros futuros.
Já em 1650 a colonização portuguesa
introduz largamente outros instrumentos europeus sofisticados como a flauta,
violão, cavaquinho, clarinete, violino, violoncelo, harpa, acordeon, piano,
bateria, triângulo e pandeiro. A partir dos rituais religiosos das missões
jesuítas nascem os primeiros cultos folclóricos populares dos habitantes locais
como o 'reisado' e o 'bumba-meu-boi'. A música sacra, as melancólicas baladas e
as modas portuguesas contribuem para a formação da música brasileira.
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3. A música brasileira - 1700 a 1800
1700 Em meados do século XVIII,
surgem, no Rio de Janeiro e Bahia, as lendárias e divertidas músicas de
barbeiros . São pequenos grupos musicais compostos de escravos negros barbeiros
com tempo disponível para se dedicarem ao aprendizado de velhos e desgastados
instrumentos musicais que lhe são passados. Segundo estudiosos, essa seria a
primeira verdadeira manifestação de uma música popular brasileira instrumental
de entretenimento público. Essas pequenas orquestras ambulantes, também
chamadas de 'charangas' ou 'ritmos de senzala', muito requisitadas para
festividades e procissões como a do Domingo do Espírito Santo, tocavam flauta,
cavaquinho, violas, rabeca, trompa, pistão, pandeiro, tamboril, machete, e
interpretavam – muito à sua maneira livre – fandangos, dobrados, quadrilhas,
lundus e polcas num repertório bem diverso. Da música desses deselegantes mas
charmosos barbeiros descalços, nasceriam os 'ternos', as bandas de coreto, as
militares e o choro. Elas existiriam até meados do século seguinte.
3.1 - 1750 - A Modinha
Em 1750 surge até então o mais importante gênero musical – a modinha –, criado em Portugal, e responsável pelos aspectos melódicos e românticos na música brasileira, de grande influência até a Nova República, no início do século XIX. Detalhe: em 1755, Salvador tinha 37.543 habitantes.
A partir da década de 1770 , com o
avanço do processo de urbanização, intensifica-se a produção musical religiosa
(lírica) na América Portuguesa, no Brasil, também importante para o futuro
próximo da música popular, com vários autores nacionais como Inácio Parreiras
Neves (1730-1791), Manoel Dias de Oliveira (1735-1813), José Joaquim Emerico
Lobo de Mesquita (1746-1805), Francisco Gomes da Rocha (1754-1808), André da
Silva Gomes (1752-1844) e outros.
3.2 - 1780 - O Lundu
Em 1780 outra importante forma
musical – consta do primeiro registro escrito de referência do lundu africano
no Brasil – gênero musical trazido dos escravos bantos do Congo e Angola –, e
que seria amplamente popularizado. O estilo de música é descrito como uma dança
lasciva com suas umbigadas. É um dos elementos embrionários de formação do
futuro samba. A partir do começo do século XIX, o lundu apresenta variantes
como o miudinho, a tirana tipo espanholada, o fado batido e a chula. Seu apogeu
vai do começo de 1800 à 1920, sendo o músico popular Xisto Bahia (1841-1894) o
mais importante compositor do gênero. Detalhe: no Rio de Janeiro, existem
43.400 habitantes.
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4. A música brasileira - 1800 a 1900
4.1 - 1840 - Hinos - Marchas -Dobrados
Os grandes proprietários
latifundiários criam a Guarda Nacional, cujos músicos militares fardados passam
a incluir em seus repertórios oficiais, além dos hinos-marchas e dobrados,
trechos de música popular e de música clássica. Surgimento dos Coronéis do
Sertão nordestino. 1840 Primeiro baile de máscaras, no Rio de Janeiro, no dia
22 de janeiro, no baile do Hotel Itália, na posterior Praça Tiradentes, numa
bem-sucedida tentativa da alta sociedade da época, de D. Pedro II, de importar
o estilo do carnaval de salão de Veneza.
4.2 - 1845 - A Polca  No dia 3 de julho de 1845, é
apresentada pela primeira vez a polca, no Teatro São Pedro, no Rio de Janeiro.
Dança rústica da Boêmia – parte do império austro-húngaro e atual província da
Checoslováquia –, a polca chega à capital Praga em 1837, e se transforma em
dança de salão. Depois da apresentação brasileira, a polca vira a nova febre
carioca com a formação da Sociedade Constante Polca, em 1846. Além de dança de
salão, o gênero invade teatros e ruas, tornando-se popular através dos próximos
grupos de choro e grupos carnavalescos. Os maiores compositores de polca são
Ernesto Nazaré (1863-1934), Calado (1848-1880), Anacleto de Medeiros
(1866-1907), Irineu de Almeida (1890-1916), Henrique Alves de Mesquita
(1830-1906) e Miguel Emídio Pestana (fins do séc. XIX e inícios do séc. XX).
Foi o gênero básico de apoio para outras fusões musicais com o lundu, o fadinho
e os motivos militares.
Em 1859 surgem os primeiros bondes
puxados à cavalo, no Rio de Janeiro, que passariam a integrar definitivamente
as multifacetadas culturas populares e musicais dos diversos bairros e
lugarejos da grande cidade, transformando a expressão musical local num enorme
caldeirão de novos estilos e experimentos, principalmente com relação ao
carnaval. Em 1892, surgem os primeiros bondes elétricos. Eles exercem uma forte
influência de inspiração musical para compositores populares e o teatro de
revista. Já totalmente suplantados pelo automóvel, que cresceria em importância
como meio de transporte nos anos 30, os bondes desapareceriam em 1964, quando a
cidade do Rio de Janeiro é toda pavimentada para as festividades de seu IV
Centenário.
No ano de 1870 é a data de registro do primeiro
rancho carnavalesco surgido no bairro da Saúde, no Rio de Janeiro, de nome Dous
de Ouro, formado por nordestinos, antigos escravos e filhos de escravos
baianos. Pioneiros da época ainda relataram o Rancho da Sereia, formado por
sergipanos e alagoanos, rivais dos baianos, como o rancho anterior ao Dous de
Ouro. Os ranchos carnavalescos surgiram inspirados nas procissões folclóricas
religiosas dos Ranchos dos Reis Nordestinos.
Por volta de 1890, existem mais
de dez ranchos carnavalescos cariocas. A partir de então, esboça-se os
primeiros traços do samba através do batuque de origem africana.
4.3 - 1890 - Antonio Carlos Gomes - Compositor  Em 19 de
março, na Itália, estréia no lendário Teatro Scala de Milão, a obra máxima do
maestro-compositor brasileiro paulista Carlos Gomes (1836-1896) – a ópera O
Guarani –, baseado na romance de José de Alencar, com libreto inicial do poeta
Antonio Scalvini, concluído por Carlo d'Orneville. O sucesso e impacto de O
Guarani levou o compositor e maestro Giuseppi Verdi ao comentário entusiasmado
de que Carlos Gomes era de fato um "vero genio musicale". Depois de
encenada 12 vezes no Scala, a ópera percorre toda a Europa com grande sucesso.
Com ela, pela primeira vez, nascia o Brasil para o mundo musical . Em 2 de
agosto, Carlos Gomes regressa ao Brasil como um verdadeiro herói, e prepara sua
ópera – já com a famosa protofonia, não apresentada na Europa, e que se
tornaria como um segundo hino nacional – no Teatro Lírico Fluminense, no dia 2
de dezembro, em homenagem ao aniversário de Dom Pedro II. Carlos Gomes foi, sem
dúvida, o maior compositor das Américas no século XIX.
4.4 - 1875 - O Maxixe
Em 1875 diretamente da então Cidade Nova e dos lendários cabarés da Lapa, no Rio de Janeiro, nasce o maxixe – a primeira dança de par e gênero musical modernos genuinamente brasileiros. Ele surge da mistura do lundu com o tango argentino, a habanera cubana e a polca. O maxixe foi considerado tão escandaloso e polêmico quanto o lundu há quase 100 anos atrás pela extrema sensualidade de sua dança e pelo uso freqüente da gíria carioca quando cantado. A complexidade de seus passos parafusos, quedas, saca-rolha, balão, corta-capim, carrapeta (etc.), marcaria o fim do gênero musical em meados do século seguinte. Detalhe: as quadrilhas se transformam em exclusivas e pitorescas danças folclóricas de São João. 4.5 - 1880 - O Entrudo e o Choro
Já no ano de 1880 no Rio de Janeiro, acontece
a época áurea dos 'entrudos' (do latim introitus), uma herança genuinamente
portuguesa dos primeiros blocos de foliões de rua (formados pela população
migratória rural nordestina) que antecede e prenuncia o surgimento dos blocos
de carnaval, inicialmente conhecidos como cordões. Os arruaceiros entrudos não
são bem aceitos – pela nova sociedade carioca que se estabelece – pela
violência de suas manifestações, cujos participantes esguicham jatos d'água em
bisnagas, jogam baldes d'água, limões de cheiro e atiram farinha na cara dos transeuntes
como forma de diversão.
 Surge o choro (chorinho), no
Rio de Janeiro, através de pequenos grupos instrumentais formados por modestos
funcionários dos Correios e Telégrafos, da Alfândega e da Estrada de Ferro
Central do Brasil, que se reúnem nos subúrbios cariocas com suas flautas,
cavaquinhos e violões. A mágoa e a nostalgia deram o nome ao gênero, sendo a
improvisação sua condição básica. No começo da República, outros instrumentos
seriam incorporados. As festas das quais os chorões participavam já eram
chamadas de pagodes. Os músicos Joaquim Antônio da Silva Calado (1848-1880) e o
flautista Viriato Figueira da Silva (1851-1883) são dois de seus criadores.
Outros grandes chorões: Chiquinha Gonzaga (1847-1935), Anacleto de Medeiros
(1866-1907), Irineu Batina (1890-1916), Mário Cavaquinho (XIX-XX), Sátiro
Bilhar (?-1927), Candinho Trombone (1879-1960), Ernesto Nazaré (1863-1934) e
Pixinguinha (1897-1973). Esta é também a época das serenatas de fins de
noite. 4.6 - 1890 - O Frevo 
4.7 - 1899 - Chiquinha Gonzaga
 No Rio de Janeiro em 1899, por
solicitação dos crioulos integrantes do cordão Rosas de Ouro, a pioneira
compositora carioca de classe média Chiquinha Gonzaga (1847-1935) – a primeira
mulher a reger uma orquestra no Brasil (em 1885) –, compõe em fevereiro deste ano a primeira marcha
carnavalesca da história da música brasileira chamada "Ô Abre Alas",
um enorme sucesso e de grande influência na consolidação das bases iniciais da
música popular brasileira.
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5.0 - A música brasileira - 1900 a 2000
5.0.1 - Década de 1900
Em 1902 acontece a primeira gravação para um disco brasileiro,
com o famoso tema lundu intitulado "Isto É Bom", escrito pelo músico
baiano Xisto Bahia (1841-1894) e cantado por Baiano (Manuel Pedro dos Santos,
1870-1944), para a gravadora Casa Edison.
5.0.2 - Década de 1910
Respectivamente, são construídos os dois dos mais
importantes teatros no Brasil – o Teatro Municipal do Rio de Janeiro, e o
Teatro Municipal de São Paulo.
 Teatro Municipal do Rio de Janeiro  Teatro Municipal de São Paulo Em São Paulo, registra-se uma modalidade de samba tipicamente paulista – herdeiro do batuque – chamado Samba-de-Pirapora, ou Samba-de-Campineiro, principalmente em quatro importantes centros urbanos da capital como na Barra Funda, Bela Vista (no Bexiga) – nas festas de Nossa Senhora de Achiropita, no dia 15 de agosto, na Rua 13 de Maio –, na baixada do Glicério e Bosque da Saúde. A cidade de Pirapora foi o mais importante centro de encontro e difusão do samba paulista – nas festas de Bom Jesus, no mês de agosto –, também conhecido como samba-de-bumbo, onde reuniam-se numerosos músicos predominantemente negros vindos de Campinas, Barueri, Tietê e cidades vizinhas. Diferente do Rio, em São Paulo, não se usava o samba para os desfiles de carnaval dos cordões e ranchos, mas sim as marchas-ranchos e o choro. Os paulistas somente aderem ao samba, no carnaval, no fim dos anos 20.
Em São Paulo, no dia 12 de março de 1914 , é fundado o Grupo
Carnavalesco Barra Funda, precursor da Escola de Samba Camisa Verde e Branco,
que também ia regularmente aos encontros e festejos de Pirapora, no interior do
estado. O pioneiro grupo paulista tinha apenas doze integrantes vestidos de
camisas verdes, calças brancas e chapéus de palha – tocavam um pandeiro e
chocalhos de madeira com tampinhas de garrafas de cerveja. Durante a Primeira
Grande Guerra, e pela primeira vez em sua história, a música brasileira chama a
atenção da Europa com o estilo embrionário e provocativo do samba – o maxixe –,
que se torna um dos maiores sucessos de dança no velho continente até 1922.
Embora tenha surgido desde meados do século passado, é
somente neste ano que as chamadas canções sertanejas se popularizam entre as
classes média e alta, a partir da toada "Cabocla di Caxanga", de João
Pernambuco (1883-1947) e Catulo da Paixão Cearense (1886-1946), dois dos
maiores nomes na história do gênero.
5.0.3 - O Samba
O ano de 1917 considerado o nascimento oficial do samba, a gravação de "Pelo Telefone", de Donga (1889-1974) e Mauro de Almeida (1882-1956), na voz de Baiano, alcançou enorme sucesso nacional e estabeleceu novos padrões para as canções de carnaval. Este típico samba carioca, que mistura maxixe com frases rítmicas do folclore baiano, mais tarde espalha-se pelo Brasil e domina o carnaval.
Nessa fase, os principais compositores são Sinhô (1888-1930), Ismael Silva (1905-1978) e Heitor dos Prazeres (1898-1966). A partir da década de 20, surgem vários e diferentes tipos de samba. No carnaval da época, o compositor, instrumentista e arranjador Pixinguinha (1897-1973) grava o seu primeiro disco, de maxixes, pela Odeon. Ele é o músico mais importante a estabelecer as bases da música popular e do choro, um recém-criado estilo de música brasileira instrumental (1880) com características de improvisação semelhante à do jazz.
No Rio de Janeiro, quase no final da década de 1920 , surgem as primeiras escolas de samba, que já haviam sido esboçadas desde o surgimento dos entrudos, dos ranchos carnavalescos e dos cordões fantasiados. A primeira escola de samba – a Deixa Falar – surgiu no Largo do Estácio, no antigo Rio. Surgem também os primeiros moradores das favelas cariocas e do assim chamado 'samba do morro'. Popularizam-se no Rio, e em São Paulo, o gramofone, as vitrolas, as orquestras de cinema mudo, posteriormente o próprio cinema falado e – principalmente – as primeiras gafieiras que tocavam sambas, maxixes, marchas, jazz e valsas. Logo surgiriam as jazz-bands brasileiras como a Orquestra Pan-Americana, American Jazz-Band, de Silvio de Sousa, Jazz-Band Sul-Americana, de Romeu Silva e outras mais. Tudo isso impulsiona em muito a divulgação da música brasileira.
5.0.4 - O Samba Canção
Antecedendo a bossa nova, surge o samba-canção, um tipo mais lento, melancólico e romântico, orquestral e introspectivo do gênero, também conhecido como samba de meio do ano, ou seja, aquele lançado depois dos sambas de carnaval. Sob forte influência do bolero, o samba-canção se firmaria mesmo a partir de 1930. Seus primeiros compositores foram Joubert de Carvalho, Henrique Vogeler, Heckel Tavares e Sinhô. Os maiores intérpretes são Francisco Alves, Orlando Silva, Dolores Duran, Marlene, Isaura Garcia, Elizeth Cardoso, Zezé Gonzaga, Dalva de Oliveira, Caubi Peixoto, Angela Maria e Maysa.
 Noel Rosa Na polêmica e então contestada Semana de Arte Moderna de 22, idealizada inicialmente por Graça Aranha e Ronald de Carvalho, mais precisamente entre 11 e 18 de fevereiro, no Teatro Municipal de São Paulo, um dos fatos marcantes do irreverente movimento de cunho antropofágico nacionalista, que buscava, numa primeira tentativa no país, uma identidade própria para a cultura brasileira, foi a apresentação do compositor erudito-popular e regente carioca Heitor Villa-Lobos (1887-1959), diante da orquestra, trajado a rigor mas calçando chinelos, interpretado como ato de ousadia quando, na verdade, estava doente de um pé.
5.1 - Década de 1920
5.1.1 - A música Sertaneja raiz
 Tonico & Tinoco
Em novembro de 1926, no Teatro Municipal de São Paulo, acontece
o famoso recital da paulista Guiomar Novaes (1894-1979), magnífica pianista de
impressionante carreira internacional que durante anos fez contraponto com a
colega erudita carioca Magdalena Tagliaferro (1894-1986) – outra espetacular
pianista de projeção mundial. Guiomar Novaes já havia sido um dos grandes
destaques na Semana de Arte Moderna de 22, interpretando Villa-Lobos, no mesmo
Teatro Municipal de São Paulo.
A mais importante soprano lírica da história da música
brasileira – Bidu Sayão (1902-1998) – rouba a cena da temporada no Teatro
Municipal de São Paulo e abre a temporada lírica do Teatro Municipal do Rio de
Janeiro. Ela começava a pronunciar-se com o requinte e a beleza que a tornariam
uma estrela internacional durante décadas.
Em 1930 Acontece o primeiro grande sucesso do sambista carioca
de Vila Isabel, Noel Rosa (1910-1937) – "Com Que Roupa", já com toda
sua proverbial verve crítica e humorística sobre a vida carioca, marca
registrada de toda sua obra. Em 1931, viriam "Eu Vou Pra Vila",
"Gago Apaixonado", "Malandro Medroso" e "Quem Dá
Mais".
 Ary Barroso Em 1935, seria escolhida pelo lendário regente Arturo Toscanini (1867-1957) a integrar a Orquestra Filarmônica de Nova York. Em 1938, cantaria para o Presidente norte-americano Franklin D. Roosevelt, na Casa Branca, em Washington D.C. Em 1995, seria homenageada pela escola de samba carioca Beija-Flor, de Nilópolis. 1938 Período em que o compositor e regente Heitor Villa-Lobos (1887-1959) compõe a Bachiana no. 5 – da célebre série de 9 – para canto e orquestra de violoncelos, sendo esta a mais admirada e tocada de todas, tendo sido, por vários anos, um dos discos mais vendidos nos Estados Unidos. Na época, porém, foi muito atacado pelos críticos brasileiros por este conjunto de obras inspiradas na atmosfera musical de Johann Sebastian Bach (1685-1750), considerado pelo autor um manancial folclórico universal, intermediário de todos os povos. Os críticos consideraram As Bachianas um recuo na obra de quem havia escrito os famosos 14 Choros – escritos de 1920 a 1929 –, obras compostas na inspiração de suas longas viagens por quase todo o Brasil (e seus sertões), durante anos, e por sua paixão e convivência prolongada com os "chorões" cariocas. Ainda que As Bachianas representassem uma valiosa experiência de justaposição de certos ambientes harmônicos e de contrapontos de algumas regiões do Brasil ao estilo de Bach, os Choros foram tidos como um rico material inato para a criação da música autenticamente brasileira. Mas, por toda sua gigantesca obra deixada e seus empreendimentos didáticos sociais, Villa-Lobos é considerado o mais importante gênio musical do continente, no século XX, dotado de uma chama criadora extraordinária que atravessou fronteiras, empolgou críticos e multidões, superando todos os preconceitos.
1939 A primeira e mais importante música exportada aos
Estados Unidos e Europa é "Aquarela do Brasil", de Ary Barroso
(1903-1964), e que inaugura o gênero samba-exaltação.
 Francisco Alves
7.0 - Década de 1940
Em 1940 no Teatro Municipal do Rio de Janeiro, acontece a primeira regência do maestro e compositor cearense Eleazar de Carvalho (1912-1996). Em julho de 1943, fez sua estréia como regente, no Teatro Municipal de São Paulo, que foi outro grande acontecimento destinado a entrar para a história. Graças ao seu empenho e dedicação, Eleazar teria mais tarde seu nome profundamente ligado ao Teatro Municipal de São Paulo, por décadas.
7.0.1 - Carmem Miranda
 Em Hollywood, o cineasta e desenhista norte-americano Walt Disney inclui a música "Aquarela do Brasil" , de Ary Barroso, alterando o título para "Brazil", e versão em inglês, com grande sucesso em seu desenho, "Alô Amigos" (Saludo Amigos). O samba-exaltação torna-se praticamente um segundo hino brasileiro e abre definitivamente as fronteiras do mundo para a música brasileira.
7.0.2 - Luiz Gonzaga
A música "Baião", do pernambucano Luiz Gonzaga (1912-1989) – com letra de Humberto Teixeira –, desponta de Norte a Sul do país com a força de um novo estilo musical revolucionário urbano derivado da música de raízes rurais e folclóricas nordestinas. No começo dos anos 50, Luiz Gonzaga é o grande responsável pelo nascimento do baião e por abrir caminho para novos nomes da música nordestina e influenciar a música popular do Sul-Sudeste do país nos anos 60-70. Até o surgimento da bossa nova, o baião foi o gênero musical brasileiro mais influente no exterior.  7.0.3 - O Surgimento da Bossa Nova
Em maio, com a gravação de "Saudosa Maloca"
pelo grupo Demônios da Garoa, Adoniran Barbosa (1910-1982) firma o seu estilo peculiar
que o tornaria célebre como o mais fiel cronista das camadas populares
paulistanas, inspirando-se no linguajar dos diferentes grupos de imigrantes,
predominantemente o italiano. Outros grandes sucessos de Adoniran Barbosa
foram: "O Samba do Arnesto" (com Alocim), "Tiro Ao Álvaro"
(com Osvaldo Moles), e o enorme sucesso de "Trem das Onze", de 1964,
novamente com os Demônios da Garoa. Em 1974, lançou seu primeiro LP solo como
cantor. É tido como o maior compositor popular da capital de São Paulo, e
recebeu grande homenagem, em 1980, num show com Elis Regina, Djavan, Clementina
de Jesus, Clara Nunes, MPB-4, Carlinhos Vergueiro, Gonzaguinha, Vânia Carvalho,
e os grupos Talismã e Nosso Samba. A indústria fonográfica brasileira já
representa um dos mais importantes segmentos econômicos do país – começa-se a
instituir a pesquisa de mercado para aferição do gosto público.
 Demônios da Garoa
7.0.4 - O Rock'n'Roll
Com fortes ecos dos Estados Unidos e Inglaterra, o rock'n'roll aterrisa incipiente no país através de versões, quando Nora Ney grava a versão "Rock Around The Clock". A primeira grande estrela do gênero é Celly Campelo (1942-) com os hits "Estúpido Cupido" e "Banho de Lua" já no início dos anos 60. O rock'n'roll populariza-se com outras versões de sucessos norte-americanos, por Nick Savóia e Ronnie Cord (1943-). Outros nomes são Tony Campello, irmão de Celly, Wilson Miranda, Sérgio Murillo e demais. Logo depois, seria totalmente absorvido e adaptado pelo movimento jovem guarda.
8.0 - Década de 1950
João Gilberto
Já em 1959 a primeira introdução internacional da bossa nova
acontece através da trilha sonora do filme "Black Orpheus" - a partir
da suite musical de Vinícius de Moraes -, do diretor francês Marcel Camus,
vencedor do grande prêmio do Festival de Cannes e Melhor Filme Estrangeiro do
Oscar, no mesmo ano.
9.0 - Década de 1960
9.0.1 - Surgimento do termo M.P.B
Pela primeira vez na história da música brasileira, surge o termo MPB – Música Popular Brasileira – empregado por Ary Barroso na contra-capa do disco 'Bossa Nova', de Carlos Lyra. De década a década, o termo MPB mudaria sua abrangência de estilos e ampliaria seu significado. Da elite de músicos dos anos 70 – com Caetano Veloso, Gilberto Gil, Chico Buarque, Gal Costa, Maria Bethânia, Milton Nascimento e outros – à hoje, o termo representa basicamente quase todo o tipo de música brasileira à exceção do pop-rock.
Popularizam-se as frequências do público nos ensaios das escolas de samba, inclusive como forma das agremiações obterem algum tipo de renda fora da época dos desfiles com os seus patrocínios, para garantir parte dos custos de preparação das infra-estruturas durante o resto do ano, através da cobrança mínima dos ingressos por parte de algumas delas.
 A primeira grande influência da bossa nova nos Estados Unidos, sucesso que populariza o gênero no país e credencia os americanos a adotarem o estilo, é o disco 'Jazz Samba', do guitarrista Charlie Byrd e do saxofonista Stan Getz. A bossa nova é a maior sensação norte-americana no começo dos anos 60, sendo suplantada apenas pelo surgimento dos Beatles.
No ano de 1964 do início da ditadura militar brasileira, acontece, no Rio de Janeiro, o histórico e militante show Opinião, com músicas do maranhense João do Vale (1934-1996) e direção de Oduvaldo Viana Filho, Paulo Pontes e Armando Costa. Foi nesse espetáculo, interpretando a música "Carcará" (João do Vale e José Cândido) que foi lançada a cantora baiana Maria Bethânia. Também participaram do evento Nara Leão (1942-1989) e Zé Kéti. O acontecimento foi um marco na história da música popular brasileira.
9.0.2 - Jovem Guarda 
Jovem Guarda
A grande era dos festivais. A extinta TV Excelsior produz o primeiro Festival de Música popular Brasileira. Nos dois anos seguintes, a TV Record realiza outros dois. Também os Festivais Universitários de Música Popular Brasileira, da TV Tupi, do Rio de Janeiro. Da soma deles, surgem nomes como Elis Regina (com "Arrastão", de Edu Lobo e Vinícius de Moares), Edu Lobo (com "Ponteio", dele e de Capinam), Caetano Veloso (com "Alegria, Alegria", dele mesmo), Gilberto Gil (com "Domingo no Parque", dele mesmo), Gal Costa (com "Divino Maravilhoso", de Caetano), Os Mutantes (com "Dois Mil e Um", de Rita Lee e Tom Zé), Chico Buarque de Hollanda (com "A Banda" e "Roda Viva", dele mesmo), Milton Nascimento (com "Cidade Vazia", de Baden Powell e Lula Freire), Tom Zé (com "São Paulo, Meu Amor", dele mesmo), Paulinho da Viola (com "Sinal Fechado", dele mesmo), MPB-4 e outros. Com o crescimento e expansão da televisão no Brasil, grandes ídolos da nova música popular brasileira se afirmam. Depois de uma série, a TV Globo seria a última emissora a produzir os últimos festivais no país – sendo o derradeiro, o VII Festival Internacional da Canção, em setembro de 1972, com Maria Alcina cantando "Fio Maravilha", de Jorge Ben.
9.0.3 - Canção de protesto  Geraldo Vandré Dezembro, sob violentos protestos, o visionário maestro Diogo Pacheco abre definitivamente as portas do Teatro Municipal de São Paulo para a MPB com o espetáculo 'Vinícius, Poesia e Canção', com a participação do próprio Vinícius de Moraes, Edu Lobo, Baden Powell, Carlos Lyra, Ciro Monteiro, Pixinguinha e Francis Hime.  Jorge Ben Jor
Em 1967 Tom Jobim grava com Frank Sinatra o álbum americano 'Francis Albert Sinatra & Antonio Carlos Jobim', em que Sinatra interpreta alguns dos maiores sucessos da bossa nova de autoria de Jobim. O disco é um dos grandes marcos na história da bossa nova e da música popular brasileira. Detalhe: por ciúmes, Sinatra não permitiu que Tom Jobim tocasse piano por ser então o instrumento que mais prestígio dava aos músicos norte-americanos – por isso, Tom tocou violão, seu segundo instrumento.
Frank Sinatra e Tom Jobim
Em meados de 1968 após a bossa nova, vários músicos brasileiros incorporam o jazz em suas músicas. Buscando um formato brasileiro estão o saxofonista Paulo Moura, a pianista Eliane Elias, a cantora Flora Purim, Airto Moreira, Leo Gandelman, César Camargo Mariano, Victor Assis Brasil (1945-1981) – um dos maiores saxofonistas de jazz do país –, Egberto Gismonti, Naná Vasconcelos, Hermeto Pascoal, André Geraissati, Zimbo Trio e outros. A dificuldade em se situar a atuação do jazz no Brasil está no fato dele aparecer diluído no conceito abrangente de música instrumental.
9.0.4 - Tropicalismo 
10.0 - Década de 1970
Passado o fenômeno do rock'n'roll dos anos 60, e graças à bossa nova, jovem guarda e Tropicália, estabelecem-se os grandes nomes de uma chamada MPB mais moderna com Caetano Veloso, Gilberto Gil, Chico Buarque, Gal Costa, Maria Bethânia, Vinícius de Moraes, Toquinho, Elis Regina, Milton Nascimento e outros. A maior parte deste segmento permanece em evidência.
No começo dos anos 70, surge também uma importante geração intermediária de novos nomes da MPB que continuariam a fazer trabalhos de renovação da música popular brasileira durante o começo do século XXI, tais como Djavan, Fafá de Belém, Fagner, Belchior, Alceu Valença, Zé Ramalho, Morais Moreira, Baby Consuelo (atual Baby do Brasil), Pepeu Gomes, Elba Ramalho, e outros. 
Elis Regina
No começo da década, surge no Rio de Janeiro um fenômeno que se caracterizaria como tipicamente carioca – os bailes funk. Os primeiros bailes aconteciam no Canecão, na Zona Sul, sempre aos domingos. Os "bailes da pesada", como eram conhecidos, foram espalhando-se para os clubes do subúrbio. Ouve-se James Brown ("Sex Machine", "Get On The Good Food", "Soul Power"), Kool and The Gang, Wilson Pickett e outros. Com a proliferação de uma multidão de dançarinos populares adeptos do movimento, trajados com roupas black de ocasião, cabelos afro, sapatos plataforma coloridos, surgiram as equipes como Soul Grand Prix, Black Power, Dynamic Soul, Furacão 2000, União Black. Surgem importantes nomes da funk music carioca como Gerson King Combo, Tony Tornado, Tim Maia, Sandra Sá, Cassiano, Robson Jorge, Rosa Maria e outros. O movimento espalha-se pelo país, com a Chic Show, em São Paulo; a Black Porto (RS) e a Black Uaí!, em Belo Horizonte. Mesmo à revelia da imprensa, os bailes funk do subúrbios cariocas entrariam em 2000 muito populares, mas já com grande influência da música e roupas hip-hop. Os cariocas proporcionam o funk melody, com batida mais rápida e semelhante ao rap; e o charme, um funk pós-disco mais sofisticado que a assim chamada 'estética do barulho' presente no hip-hop (rap).
Milton Nascimento
Já em 1972 nos primeiros anos da década, acontece um surto de uma produção musical popular de cunho nacionalista, de exaltação das belezas naturais do país e da ideia básica de que "Deus é brasileiro" – muito ao gosto do ainda período militar –, numa tentativa quase ufanista de direita representada principalmente pela dupla Dom & Ravel com a música "Só O Amor Constrói", de 1971, e outro grande sucesso que Dom (Domingos Leoni) compôs (em 1970) para o então popular grupo de rock Os Incríveis – "Eu Te Amo Meu Brasil". Aproveitando a grande repercussão desses tipos de canções, Os Incríveis ainda gravariam (em 1971) um compacto simples com o "Hino Nacional" (Música de Francisco Manoel da Silva e letra de Osório Duque Estrada, adaptação vocal de Alberto Nepomuceno) e o "Hino da Independência do Brasil" (música de Dom Pedro I e letra de Evaristo Ferreira da Veiga).
 Em 1974 época áurea de uma nova geração de grupos de rock brasileiros de variadas tendências como O Terço, de influências do rock progressivo com o guitarrista Sérgio Hinds como seu líder – que desembocaria no 14 Bis; do Joelho de Porco, com o seu som pré-punk anarquista cômico formado pelo popular baixista Tico Terpins; o Moto Perpétuo, formado pelo cantor e compositor Guilherme Arantes; o Casa das Máquinas, formado por Netinho, ex-Incríveis, o Som Nosso de Cada Dia; e o lendário Made In Brasil, formado por Oswaldo Vecchione e seu irmão Celso Vecchione, talvez o mais popular e roqueiro da época, dentre outros mais. Destaque para os Secos & Molhados (com Ney Matogrosso), o mais criativo grupo da década a misturar pop-rock com música brasileira, portuguesa e outras influências – sua curta duração (1971-74) atingiu grande sucesso nacional.
Secos e Molhados
Em 1975 a década também foi marcada por uma curiosa produção de música tipicamente norte-americana (no Brasil!) produzida por músicos brasileiros que adotaram nomes americanizados. Desde o grupo paulistano Pholhas (da Móoca) que cantava em inglês e português, ao grupo Light Reflections com o grande sucesso "Tell Me Once Again", que depois viraria comicamente "Telma Eu Não Sou Gay", com Ney Matogrosso; Tony Stevens (o Jessé) com os sucessos "Flying" e "If I Could Remember"; Christian (da dupla sertaneja Christian & Ralf) com o hit "Don't Say Goodbye"; o próprio Ralf, da mesma dupla, com o nome de Dom Elliot; Paul Bryan (Sérgio Sá) com "Listen"; a banda Lee Jackson, com "Hey Girl", grupo formado por músicos que hoje ocupam lugares de direção executiva em algumas grandes gravadoras no Brasil; o grupo Sunday, de Hélio Eduardo Costa Manso, com "I'm Gonna Get Married"; Fábio Jr., que adotou dois nomes americanos, Mark Davies e, depois, Uncle Jack, cantando "Don't Let Me Cry"; o grupo feminino Harmonie Cats, e até a cantora dançarina Gretchen, que começou cantando em inglês.
Paulinho da Viola, um dos maiores novos sambistas da época, e um dos poucos e mais importantes defensores do já esquecido choro, participa – junto com outros compositores e críticos – da criação do Clube do Choro, no Rio de Janeiro.
11.0 - Década de 1980
Em 1980 a busca de novas alternativas musicais como resposta à já institucionalizada MPB, parte da elite da juventude brasileira de classe média provoca uma nova onda de rock e pop apoiada no movimento pós-punk new wave, que domina totalmente o cenário musical nacional com um forte movimento underground central deflagrado a partir de São Paulo.
Apesar do blues sempre ter sido muito mais absorvido pelos músicos brasileiros diretamente através do rhythm'n'blues pelas bandas de rock dos anos 60, o Brasil nunca se caracterizou por um forte cenário ou movimento de blues, apesar de ter um bom público consumidor. Dos anos 80 até 99, podemos destacar os maiores nomes do blues como Nuno Mindelis, André Christovam, Celso Blues Boy, e as bandas Blues Etílicos e Big Allambik.
Em 1984 antecedendo o surgimento da axé music, a lambada baiana torna-se um dos mais populares estilos de dança brasileira atual a misturar samba, maxixe e dança erótica. O maior sucesso é do grupo Kaoma com "Lambada", uma versão do tema latino "Llorando Se Fue", do grupo Los Kjarkas. Por falta de substância musical e limitação coreográfica, o gênero tem breve período, mas provoca uma onda de escolas temporárias da dança por todo o país. O sucesso internacional, quase que exclusivamente na Europa, é quase maior do que o atingido no próprio Brasil devido ao seu apelo exótico tipo-exportação.
Já na metade da década de 80 ainda no bojo da grande década do rock brasileiro, na segunda metade desse período, surge na capital de São Paulo, e pela primeira vez em toda América Latina, a grande novidade norte-americana do movimento hip hop com o rap, grafite e a breakdance, inicialmente comandada pelo pioneiro rapper brasileiro Thaide, seu parceiro DJ Hum e o DJ simpatizante Theo Werneck. A partir daí, com a aceitação gradual do novo movimento pela mídia, o hip hop cresceria firmemente em importância e novos nomes, atingindo um de seus apogeus nos anos 90.
A música "Fricote", do baiano Luiz Caldas, inaugura oficialmente o movimento axé music. O primeiro sucesso vem com "Eu Sou Negão", de Jerônimo, em 1986. Mas o primeiro fenômeno de vendas, que lança nacionalmente a axé music, acontece com o bloco afro-baiano Reflexu's, em 1987, com a música "Madagascar Olodum", que vendeu 750.000 cópias. A axé music é caracterizada pelo forte uso da percussão baiana como o repique, timbau e surdos. Em geral, as letras falam da sensualidade do corpo, do requebrar dos quadris e de danças, cheias de ironia e segundo sentido. O novo gênero viveria o seu apogeu até a segunda metade dos anos 90, quando começaria o seu declínio natural de acomodação. Os principais nomes são Asa de Águia, Chiclete com Banana, Daniela Mercury, Banda Eva, É O Tchan, Netinho e outros. Pela primeira vez na história da música brasileira quebra-se a hegemonia São Paulo-Rio.
12. 0 - Década de 1990
Em 20 de outubro, começa oficialmente as transmissões da MTV Brasil, importante emissora pop de marca internacional que passa a representar o segmento jovem da música mundial e da música brasileira através de seus consagrados formatos videoclipes. A partir de Março de 1999, a MTV Brasil passaria a dedicar boa parte de sua programação televisiva, principalmente em sua grade das 22h, à música popular brasileira – além do pop-rock – como o pagode, axé music e a tradicional MPB. A partir de 1996, a MTV Brasil instituiria a maior premiação anual de videoclipes no país através do Vídeo Music Brasil.
No ano de 1992 com o enfraquecimento e desarticulação do movimento pop-rock brasileiro e internacional do fim dos anos 80, surgem renovadas categorias musicais de forte apelo popular que predominam por toda a década no Brasil – como o dolente samba-pagode, a carnavalesca axé music e a nova música sertaneja de sotaque country americano – nessa ordem. Do pagode destacam-se os grupos Fundo de Quintal (tido como o criador do novo gênero), Raça Negra, Só Pra Contrariar, Art Popular, Katinguele, Negritude Jr. e centenas de outros. Da axé music, os mencionados no verbete aqui citado de 1985. Da nova música sertaneja, Chitãozinho & Xororó, Zezé Di Camargo e Luciano, Leandro e Leonardo, Daniel, Sandy & Junior, Gian & Giovanni, Christian & Ralf, e outros.
Já em 1993 o formato CD começa a suplantar o vinil em vendas. O ainda grande mercado de fitas cassetes existente no país é praticamente de controle total da pirataria. A partir de 1997, a produção de vinil é extinta, com as matrizes produtoras do velho formato sendo vendidas a outros países como à Argentina e Inglaterra. Por essa época, o Brasil começa a enfrentar uma forte e muito bem estruturada pirataria de CDs, vinda principalmente da Ásia e Paraguai, até então ignorada no país.
Em 1994 surge o movimento mangue beat. É lançado o primeiro disco de Chico Science & Nação Zumbi, 'Da Lama Ao Caos', da banda mais inovadora e uma das mais representativas – e a mais popular – do movimento de Recife (Pernambuco). O disco é um marco no cenário pop da década. A mídia nacional se rende ao fenômeno. A partir de então, de olho na novidade, praticamente boa parte da produção pop da música brasileira começa a introduzir e a se apropriar dos tradicionais tambores de maracatu e do jeito peculiar hip-hop abrasileirado de Chico Science cantar. Outro grande expoente do movimento é o jovem músico pernambucano Fred Zero Quatro e sua banda Mundo Livre S/A. Junto com Chico, Fred é o autor do manifesto "Caranguejo Com Cérebro".
Com uma repercussão internacional simplesmente impressionante, no mês de dezembro, morre Antonio Carlos Jobim (Tom Jobim), num hospital em NovaYork, aos 67 anos. Além de ser um dos criadores da bossa nova, é considerado um dos maiores compositores do século ao lado de Heitor Villa-Lobos, George Gershwin, Cole Porter e Irving Berlin. A importância de sua obra musical é tamanha que, no mundo todo, não há um músico de jazz sequer que não tenha em seu repertório alguns de seus temas, sob o risco de não ser considerado de primeira linha. Tanto assim que, no começo de 95, o amigo e prestigiado saxofonista norte-americano de jazz Joe Henderson lançou um álbum interpretando exclusivamente os maiores sucessos do maestro.
Já no ano seguinte o Brasil é oficialmente o sexto maior mercado fonográfico em vendas do mundo. 80% do consumo de CDs e do que se toca nas rádios é de música brasileira, invertendo o cenário predominante dos anos 80, em que a música pop norte-americana com Madonna, Michael Jackson e outros vendiam mais do que a música nacional.
No cenário da música pop brasileira atual, depois da morte de Cazuza, nenhum outro fato dessa natureza chocaria tanto o país quanto a morte de Renato Russo, também pelos sintomas da AIDS. Renato Manfredini Júnior nasceu no dia 27 de março de 1960 e adotou artisticamente o sobrenome inspirado no filósofo francês Jean-Jacques Rousseau (1712-1778). Renato foi o líder da banda Legião Urbana, o mais importante grupo de rock dos anos 80. Muito intelectualizado e um dos mais brilhantes letristas de sua geração, Renato ainda lançou alguns trabalhos solos como The Stonewall Celebration Concert (1993), em inglês; Equilíbrio Distante (1995), em italiano, e o CD póstumo O Último Solo, lançado em 1997.
Depois de mais de 10 anos de um movimento praticamente marginalizado pela mídia, o rap atinge firmemente setores da classe média. Nesse movimento hip-hop (com o grafite e a breakdance), destacam-se tanto artistas de classe média alta como Gabriel, O Pensador, quanto grupos vindos das violentas periferias das grandes cidades como Racionais MCs (SP) – o maior fenômeno do mercado independente com mais de 1 milhão de CDs vendidos –, Pavilhão 9 (SP), Faces do Subúrbio (PE), Planet Hemp (Rio), Nocaute (RJ), Detentos do Rap (da penitenciária do Carandiru, em São Paulo), Câmbio Negro (DF), Da Guedes (RS), Xis & Dentinho (SP), Marcelo D2 (Planet Hemp) – com contundentes críticas sociais. Boa parte da MPB e da música pop brasileira incorpora traços do rap em seus repertórios.
Quase no final da segunda metade dos anos 90, presencia-se uma certa corrida à chamada música pop eletrônica em alguns setores da música pop nacional, mas novamente mais como efeito de arranjos musicais, uma vez que o gênero tecno não admite vocal. Destacamos alguns nomes da chamada nova geração de produtores e performers de música eletrônica brasileira como os Friendtronics, Xerxes, Mau Mau, M4J, Marky, Tetine, X-Action, Lourenço Loop B, Ramilson Maia, Gismonti André, Fábio Almeida, Camilo Rocha e outros. À exemplo do que ocorre nas grande capitais do mundo há dez anos, o Brasil começa a viver o auge do culto aos DJs, que produzem as grandes festas ao ar livre chamadas de 'raves', ou em casas noturnas, e lançam CDs com remixagens e temas de suas preferências. A remixagem (o remix) é uma das manifestações mais modernas do momento.
Já no ano de 1998 ao recuperar-se de sérias complicações de saúde com diabete, Milton Nascimento, merecidamente, ganha o prestigiado Prêmio Grammy na categoria World Music por seu disco Nascimento (WEA), em 25 de fevereiro.
Depois de cinco anos de ausência do cenário musical, e sem lançar músicas inéditas num único álbum, Chico Buarque retorna com o lançamento do bem-recebido CD Cidades.
Inesperadamente, o país é tomado de assalto pelo estranho fenômeno dos padres carismáticos cantores. O padre Marcelo Rossi lança o seu primeiro CD de canções e coreografias religiosas, atingindo a impressionante marca dos 3 milhões de exemplares vendidos. Aproveitando a oportunidade de mercado, outros padres viriam à reboque explorar o novo filão populista.
Caetano Veloso consegue uma façanha jamais realizada em toda sua longa bem-sucedida mas, muitas vezes, atribulada carreira. Grava a música "Sozinho", de Peninha, no CD ao vivo Prenda Minha, e vende 1 milhão e meio de CDs e é o mais tocado nas rádios de todo o país, de Maio a Julho.
Em 1999 Gilberto Gil recebe o Grammy para o Brasil, na cada vez mais importante categoria World Music, para o seu disco ao vivo 'Quanta Gente Veio Ver', de 1998 (WEA), em inglês, 'Quanta Live'. Na verdade, Gil estava torcendo mesmo para a sua amiga, a cantora caboverdiana Cesária Évora. O Grammy é o Oscar da indústria fonográfica norte-americana, a Academia de Artes e Ciências da Gravação dos EUA, transmitido por TV para 1,5 bilhão de pessoas, em 180 países.
Através de David Byrne, seu selo Luaka Bop, e o músico pop norte-americano Beck, os Estados Unidos interessam-se pela Tropicália através da coletânea The Best of Os Mutantes – Everything is Possible, com grande repercussão na imprensa internacional. Byrne afirma que a música brasileira deve crescer nos Estados Unidos. A imprensa americana e inglesa dedicam extensas matérias sobre um dos mais importantes movimentos musicais do Brasil, ocorrido há mais de 30 anos atrás. Com isso, recobra-se também o interesse pelo músico Arnaldo Dias Baptista – o mais importante dos Mutantes – com muitas matérias a seu respeito e um CD intitulado 'Arnaldo Dias Baptista – Revisitado Novamente', lançado pelo selo Dabliu.
Fonte: http://ipinose-total-3h.blogspot.com.br/2010/05/historia-da-musica-brasileira-de-1960_03.html
Acessado em: 04/04/2015
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